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　　经过五位评委的选择、推荐和评议，第二届像素摄影书奖的终选结果从14部入围作品及7位入围策划编辑和画册设计者中产生。

　　本届像素摄影书奖的“年度摄影理论及摄影史专著”奖评选进程中，由于未能征集到契合评选标准、具备足够深度与创新性的投稿作品，经评委团审慎评估与综合考量，奖项处于空缺状态。在此，我们也期待未来能收到真正高质量的摄影史论书籍，共同推动中国摄影批评以及摄影史论研究的发展。

　　在本次评审中，李馨的《察哈尔摄影志 1874-1952》虽不完全符合年度画册评选标准，但凭借其在编辑视角、内容深度及艺术呈现上的卓越表现，彰显出较高的创作水准与独特价值，获得了评委们的认可。经评委团讨论决定，特授予其评委特别推荐奖。

　　祝贺各位获奖的创作者，也同样祝贺所有入围的，投稿的，持续创作的，没有放弃感受、思考和表达的摄影师、编辑、设计师、出版人。我们下一届再见。

　　《察哈尔摄影志 1874-1952》，作者：李馨；出版社：广西师范大学出版社

　　2019年获“中国最美的书”奖。2024年主持设计王争平摄影作品集《胡马依北风》。

　　摄影师、图片编辑。历任杂志摄影师、报社视觉总监和互联网图片总监。2016年创立“街拍中国”摄影品牌。

　　摄影师、策展人、收藏研究者。曾任《京华时报》摄影记者、图片编辑。近年一直致力于书籍装帧设计文献和影像的收藏、保护、研究。

　　编辑、艺术家，毕业于格拉斯哥美术学院实验艺术系。现生活工作于北京，《中国摄影》编辑。

　　《他的城》引发了评委的辩论。一方认为，本书拍摄跨度逾40年，收入分区照片1300多幅，阅读感觉上场景大量重复，视觉语言单调，“灵魂性照片”稀少，有违视觉艺术“少即是多”的原则。在对摄影功能的认识上，摄影家试图为变化中的青岛留下一部整体性的视觉档案，这一想法体现了一种“总体性迷失”，即认为关于一座城市的真实知识就像拼图，照片数量越多描述就越接近本质。

　　实际上一座城市的变迁背后有复杂的社会历史动因，照片往往并非中性、真实的证据，摄影史上“为城市留档”的摄影师多数都站在权力一边，比如19世纪中叶法国奥斯曼男爵改造巴黎时，就专门雇佣了夏尔•马尔维（Charles Marville）等摄影师来展示自己推平旧巴黎的必要性，并以辉煌的新巴黎照片来歌颂拿破仑三世的功绩。

　　另一方认为，在中国城市改造普遍忽视历史文化根脉的大背景下，《他的城》展开了摄影家的个人经验与一座城现代性进程的悠长对话，以丰富的生活场景、朴素的摄影语言建构起普通市民对城市的人文感觉，展示了青岛城市与人在百余年的相互塑造中形成的独特个性、文化品格和生活方式，为集体记忆预置了丰富线索，具有多方面的文献价值。最后票决获奖。

　　首届像素摄影书奖最佳独立摄影集邹拥军的《如流水一样》选择的是难以具象化的女性“更年期”生理主题，这届彭佳的参评摄影集《mama》，触及的则是更为复杂的“自我疗愈”心理变化。

　　近些年，家庭影像记录或家族史题材作品多次出现在国内外摄影书评选中，高山的《第八天》，白衫的《永珍》等，都是关于母亲的主题，而彭佳的《mama》不仅是一部关于母女关系的视觉叙事，更是一次跨越代际的自我救赎与时代反思的旅程。她切入的视角，既呈现出对母亲由怨恨到理解的情感变化，又展现出时代对个体命运的影响，影集中的家庭照片成为时代裂变的切片。

　　彭佳《mama》的价值，在于它同时具备私人日记的真诚和揭示社会问题的锐利。好的影集是一面镜子，彭佳的《mama》照见了离异家庭这个庞大社会群体的社会问题，她通过摄影找到一种理解母亲的方式，将创伤转化为创作力，走出一条化解之路。同时，让影集超越了私人记忆的范畴，成为改革开放后中国城乡变迁的微观史。

　　中国摄影不缺摄影家，缺的是策展人和策划编辑。当然策展人如今已经快滥大街了，到处都是策展人，谁都可以当。而好的策划编辑在全世界都是稀缺物。必须承认，中国在摄影书方面的策划和设计能力与国际上那些优秀的出版机构还是有很大差距的。也正是这个原因，“像素摄影书奖”从一开始就设立了“年度策划编辑”奖项，为的就是鼓励中国目前还稀有的摄影策划编辑这一群体。

　　本届“像素摄影书奖”最终入围提名的几位编辑都很有特色。江浩是来自山东的媒体人、摄影师，同时也是一位非常优秀的图书策划编辑，这几年他在山东连续策划出版了多本摄影书。海洋是来自宁夏西海固的摄影家，此次他转身成为策展人和策划编辑，他编辑的《清水河&无相度》即是展览的图录，也是一本独立的摄影画册。

　　而来自陕西西安的叶子胜和许安平共同策划和编辑制作的《秦人秦相》系列丛书则颇有理想主义色彩，他们靠民间的力量致力梳理和呈现新陕西摄影群体的兴起与面貌。据说《秦人秦相》丛书已出到第三辑。此次评选，叶子胜和许安平最终获得年度策划编辑奖，我想评委们并不是在简单地在评这套丛书是否精美，是否完善，他们评的是一种职业的精神，一种理想主义的精神。

　　画册以 减法美学 为核心，通过克制的留白、极简的排版，将视觉焦点彻底让位于王争平的黑白影像。整本画册使用了不同工艺的纸张，当指尖摩挲时，仿佛能触碰到照片里的刺眼的光线或凛冽的寒意。

　　使用了几张红色小纸作为插页间隔其中，仿佛不经意间突然跃出的火苗，呼应了蒙古文化的色彩符号；一些跟“马”相关的诗歌始终穿插其中，在黑白叙事中埋下诗意的间歇。而这些元素与整体风格协调，同时又不分散注意力，这种 隐形设计 让观众完全沉浸于宁静而又伤感的世界，感知到马的神性与风雪的苍茫在静默中自然生长，最终实现了设计与影像的共生 —— 不是设计成就了照片，而是设计让照片成为了诗。

　　《察哈尔摄影志 1874—1952》是李馨为自己的家乡——曾经名为“察哈尔”的地区所著的书。本以为在一般的作为资料的照片之外，书中文字会充满浪漫主义的怀乡色彩，但实际上随着阅读的深入，其惊喜在于在作者娓娓道来的人文地理叙事中，还穿插着摄影这一“文化装置”所折射出的批判视角。

　　本书以历史的先来后到切入，但又分门别类地跟随诸多身份不一的摄影者视野，营造出层次丰富的空间感。书籍收集了大量关于察哈尔的影像与文字资料，事无巨细，但并没有试图彰显自身的学术性或严肃性。大量深入的前期采访与考察让书本较轻松地使用故事性的描述，凸显出历史的繁复。如早期俄国考察团与美国地质学家，虽带着科学与启蒙的视点望向察哈尔的风土，但影像里新奇而又崇高的视角却也显现出作为个体的摄影人感性的在场。1909年前后京张铁路的开通，使镜头里察哈尔的浪漫主义景观上似乎横架了一道现代化的裂痕，但铁路劳工们的微笑又似乎有意排除符号与文化的抽象，回到并没有那么饱含情怀的现实现场。

　　随着阅读的推进，直到关于植物，关于民族，关于家庭的平行叙事的摊开，作者也渐渐地以察哈尔为背景，提炼出摄影自身在被使用过程中“不透明”的现代化形态——这是本书的真正目的之一，让照片不至于退化成对历史的简单注释，并以此彰显着影像志的内涵。返回搜狐，查看更多